Te ofrecemos recomendaciones de películas y series, desde grandes éxitos hasta producciones menos conocidas que no te puedes perder. Explora nuestra selección cuidadosamente curada y descubre tu próxima historia favorita, ya sea un clásico popular o una joya oculta del cine o la televisión.
transcurre en un reino donde la apariencia lo es todo. Allí vive Elvira, bajo la sombra de su bella hermanastra. Dispuesta a romper con ese destino cruel, decide conquistar al príncipe y demostrar su valor en una sociedad que parece solo idolatrar la perfección.
Tráiler:
Reseña:
Sí, La hermanastra fea es Cenicienta contada desde la perspectiva de la hermanastra, pero con un enfoque mucho más grotesco y deliberadamente alejado del imaginario edulcorado de Disney. La película apuesta por una fuerte crítica a los estándares de belleza imposibles y construye un mundo medieval con tintes de fantasía, donde la crudeza de la naturaleza humana se muestra sin filtros.
Lo mejor del film está, sin dudas, en su apartado visual: una paleta de colores exquisita, una puesta en escena muy cuidada y una fotografía que refuerza constantemente el tono oscuro y perturbador del relato. Cada plano parece pensado para incomodar y fascinar al mismo tiempo, acompañando el enfoque retorcido de esta reinterpretación.
Su punto más flojo es el desarrollo de personajes. Aunque sigue, en líneas generales, la estructura del cuento original, la película no logra que uno empatice del todo con la protagonista. Más que una hermanastra malvada, termina convertida en la verdadera víctima de la historia, pero esa transformación no está lo suficientemente trabajada como para generar un impacto emocional profundo.
Además, el mensaje o la moraleja quedan algo difusos. Da la sensación de que la película sugiere que, por más esfuerzo que hagas, si sos “feo” nunca vas a alcanzar un final feliz, una idea incómoda que no termina de ser cuestionada ni desarrollada con claridad.
La obra está repleta de escenas fuertes y grotescas, tratadas con un realismo crudo y sorprendentemente plausible. No busca provocar desde lo exagerado, sino desde lo visceral, lo que la vuelve una experiencia intensa y definitivamente no apta para personas sensibles.
La Primera Familia de Marvel se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal.
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Reseña:
Lo primero que hay que decir es gracias por no volver a contar el origen de los personajes. Ya lo vimos tres veces (sí, tres, búsquenlo) y era completamente innecesario repetirlo. Lo segundo, y no menos importante, es el gran acierto del estilo retrofuturista del mundo y de la tecnología, que le da una identidad propia y un aire fresco dentro de un género que ya empieza a sentirse saturado.
Esta era una de las películas que más esperaba de 2025 y, por suerte, no me decepcionó. Es, en esencia, Los 4 Fantásticos de 2007 pero bien hechos: corrige el tono excesivamente oscuro de la versión de 2015 y encuentra un punto medio inteligente entre lo ya conocido y algo nuevo. Mantiene la esencia del MCU, pero sin perder personalidad, y termina siendo una de las mejores formas posibles de introducir a estos personajes al universo compartido.
Uno de sus mayores aciertos es que, más allá de los superpoderes, pone el foco en la dinámica familiar del equipo. La película se toma el tiempo de mostrar su día a día, sus vínculos y roces, y eso fortalece mucho a los personajes. El punto más flojo aparece en el conflicto final del tercer acto, que se siente algo apresurado. Además, se nota que es una película muy pensada para fans, especialmente de los cómics, ya que para un espectador completamente nuevo puede resultar una de las puertas de entrada menos amigables al MCU.
En cuanto a los villanos, este es, sin dudas, el mejor Galactus que hemos tenido hasta ahora, aunque la vara estaba bastante baja. Eso no significa que esté brillantemente escrito, pero cumple correctamente su rol como antagonista. También destaca la reinterpretación de la Silver Surfer, que le aporta un toque distintivo y ayuda a despegarse de las versiones anteriores.
En definitiva, la película cumple con lo que se propone: presentar a los personajes sin caer otra vez en el origen y dejar bien plantado el gancho para integrarlos al MCU. ¿Funciona? Sí. Aunque personalmente me hubiera gustado pasar más tiempo explorando este universo retrofuturista, que es, sin dudas, uno de los aspectos más atractivos de la propuesta.
sigue a los icónicos Lucas y Porky, quienes descubren por mero accidente un plan siniestro en una fábrica de chicles. Alguien está detrás del plan de control mental alienígena y ellos deben convertirse en héroes para descifrar cómo salvar la Tierra.
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Reseña:
Como alguien que se crió con los Looney Tunes clásicos de las décadas del 30 al 50, El día que la Tierra explotó es un auténtico deleite nostálgico. Desde su animación de estilo clásico hasta los diseños de personajes y el uso constante de gags visuales, la película respira amor por aquella era dorada de la animación.
La historia no pretende tomarse en serio, y eso juega totalmente a su favor. La trama funciona simplemente como una excusa para encadenar situaciones cómicas, parodiar la ciencia ficción clásica y rendir homenaje a sus tropos más reconocibles. El objetivo es claro: hacer reír. Y lo logra con creces. Los chistes, los gags y los momentos absurdos se sienten genuinos, bien medidos y cargados de un cariño evidente por el material original.
Uno de sus mayores aciertos es la animación, sumamente pulida y expresiva, que le da una vibra única a cada fotograma y refuerza esa sensación de estar viendo algo hecho con pasión y respeto por el legado animado.
Si hay algo que se le puede criticar, es la ausencia de otros personajes clásicos, aunque sea como cameos o referencias de fondo. Resulta un poco extraño que casi todos sean humanos, salvo los protagonistas, cuando el universo Looney siempre se caracterizó por su variedad de figuras excéntricas.
Aun así, tanto para quienes crecieron con los clásicos como para quienes nunca vieron Looney Tunes, esta película es altamente recomendable y no tiene desperdicio. Ojalá tome nota la industria y se animen a hacer más producciones de este estilo, recuperando a los clásicos de ayer y reinterpretándolos para las nuevas generaciones.
Secuela de la película "Journey to the West: Conquering the Demons" de 2013.
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Reseña:
Después de haber quedado tan enganchado con la primera parte, era inevitable continuar con esta secuela. Y sí, Viaje al Oeste 2 (2017) se siente claramente distinta a la película de 2013, tanto en el humor como en el estilo visual. Esto no es casual: esta vez Stephen Chow participa únicamente como guionista y no como director, y esa ausencia se nota.
Aunque me gustó más la entrega anterior, esta segunda parte sigue siendo disfrutable, aunque por motivos diferentes. Mientras que la de primera parte brillaba por su humor característico y su caos creativo, esta secuela logra sostenerse principalmente gracias al carisma de sus personajes.
En especial, destaca la relación de amor y odio entre el monje y el Rey Mono, que funciona como el verdadero motor emocional de la película. De hecho, esta es una de las versiones del Rey Mono que más me gustó —aunque tampoco he visto demasiadas para comparar—, presentada como un personaje lleno de matices, contradicciones y momentos entrañables.
El punto más flojo es la trama: más allá del viaje constante de un lugar a otro, los personajes evolucionan poco o nada, y la historia avanza sin grandes consecuencias. Si bien el final deja caer indicios de una posible continuación, hasta el momento no hay noticias alentadoras sobre una nueva secuela.
Donde ver:
por desgracia no esta en streaming legal pero al igual que la anterior precuela esta completa en YouTube, aunque esta no la pude encontrar en español.
Adaptación libre de la historia china del Rey Mono
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Reseña:
Viaje al Oeste: La Conquista de los Demonios (2013) forma parte de mi objetivo personal de recorrer toda la filmografía del gran Stephen Chow, y hasta ahora sigo sin encontrar una sola película realmente mala.
La película se toma muchísimas libertades respecto al mito original de Viaje al Oeste, pero lo hace sin complejos y con el estilo inconfundible del director: una mezcla de humor absurdo, comedia slapstick y, en este caso particular, una violencia sorprendentemente cruda en comparación con otras de sus obras.
El resultado es un cóctel delirante de cazadores de demonios, artes marciales exageradas, efectos especiales que por momentos rozan lo cutre —aunque de forma deliberada— y una sucesión constante de situaciones absurdas y bizarra. Todo convive con una naturalidad extraña que solo Stephen Chow sabe manejar.
Los personajes son uno de los grandes puntos fuertes: interesantes, originales y expresivos al extremo. Incluso los extras de fondo tienen gestos y reacciones tan marcadas que por momentos uno duda si está viendo una película de acción real o un cartoon llevado a la vida real.
Me gustó especialmente el concepto de los monstruos con moraleja, criaturas que no son malvadas simplemente por serlo, sino que esconden conflictos y motivaciones propias. Y aunque el Rey Mono casi no aparece hasta el tramo final, cuando lo hace se roba cada escena sin esfuerzo.
El equilibrio entre humor y acción está muy bien logrado, con ambos elementos funcionando en partes iguales. La disfruté muchísimo, y eso que dura casi dos horas, un tiempo que se pasa volando gracias a su ritmo y a su energía constante.
Donde ver:
no esta disponible en streaming legal pero la encontré completa en youtube, lo mas curioso es que tiene un doblaje en español raro que le da otra capa mas de humor.
El padre Park es un médico convertido en sacerdote que fue excomulgado por realizar exorcismos para una iglesia que negaba la existencia de males sobrenaturales. Cuando su viejo amigo, un monje de un templo secreto y lleno de magia, lo llama para proteger a un niño ingenuo, pero poderoso, de su malvado maestro, el padre Park deberá enfrentarse a su pasado.
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Reseña:
Crónica de Exorcismo: El Comienzo (2024) destaca de entrada por una animación sobresaliente, con colores llamativos y diseños visuales únicos que remiten a otras producciones del género, pero siempre con una identidad propia bien marcada.
Las escenas de acción están muy bien logradas, en especial la secuencia inicial que, sin entrar en spoilers, es fácilmente lo mejor de toda la película. De hecho, ver fragmentos de esa escena circulando en redes fue lo que despertó mi interés por verla completa.
Lamentablemente, a partir de ese punto la película comienza a ir en picada. Intenta mostrar demasiado sin terminar de explicar nada, generando una constante sensación de que falta contexto. Esto lleva incluso a preguntarse si está basada en una obra previa, si forma parte de una saga o si existe alguna precuela… búsquedas que no llevan a ningún lado.
Tiene personajes con potencial e ideas interesantes, pero el espectador nunca llega a encariñarse con ellos, ya sea por el escaso tiempo en pantalla o por una escritura de guion poco efectiva. La trama, que arranca con fuerza, termina estancándose a lo largo de su hora y media de duración, dejando una persistente sensación de falta de rumbo.
El exceso de escenas dialogadas, muchas de ellas reiterativas y explicativas, frena constantemente el avance del relato y vuelve la experiencia repetitiva, además de dejar varias subtramas inconclusas.
Como dato adicional llamativo, hay un personaje femenino que aparece en el tráiler, en las portadas promocionales e incluso tiene ficha de personaje, pero en la película solo figura durante unos segundos en una única escena y luego desaparece sin explicación. Algo similar ocurre con ciertos flashbacks de personajes de los que apenas sabemos nada, lo que refuerza la sensación de que hubo cambios importantes en el guion o escenas recortadas, e incluso genera dudas sobre la posible existencia de una precuela o spin-off que nunca llegó a materializarse.
El detective Kien investiga el hallazgo de un cuerpo sin cabeza en una aldea rural vietnamita durante la dinastía Nguyen. A medida que surgen elementos sobrenaturales, se enfrenta a escalofriantes giros en este misterio del siglo XIX.
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Reseña:
A primera vista, Detective Kien: The Headless Horror (2025) parece una más dentro de la avalancha de cine de terror sobrenatural asiático que viene apareciendo en los últimos años. Sin embargo, es recién con su giro final cuando la película logra despegar y dejar una impresión más duradera de lo que uno esperaba.
Uno de sus mayores aciertos es la idea de un detective ambientado en el siglo XIX, pero lejos de las convenciones europeas a lo Sherlock Holmes. Acá la investigación se construye desde una mirada oriental, atravesada por sus propias leyes, mitos y folclore, lo que le da una identidad distinta y refrescante.
Aunque gran parte del metraje transcurre en las mismas locaciones, la película no se siente visualmente pobre: los paisajes naturales son llamativos y evocadores, al punto de despertar curiosidad por los escenarios de Vietnam que funcionan casi como un personaje más.
En lo narrativo, la trama responde al esquema clásico del misterio con monstruo o asesino en serie, con su galería de sospechosos y revelaciones progresivas. Si bien en su tercer acto el relato pierde algo de fuerza, nunca deja de ser disfrutable ni cae en el tedio.
Basada en la novela Lake of Vengeance (2020), la película se conecta además con otra adaptación previa del mismo material: el drama histórico The Last Wife (2023), lo que suma un interesante contexto para quienes quieran explorar el origen de la historia.
El reino de Abraxeon está siendo asediado por los Dreadites, heraldos del hechicero Nekromemnon, muerto hace mucho tiempo. Cuando Deathstalker recupera un amuleto maldito de un campo de batalla sembrado de cadáveres, queda marcado por la magia negra y es perseguido por monstruosos asesinos de todo tipo. Para sobrevivir, debe romper la maldición y enfrentarse al mal naciente.
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Reseña:
Al principio la vi casi por curiosidad: la portada y una sinopsis deliberadamente bizarra parecían prometer poco más que una rareza simpática. Sin embargo, Deathstalker (2025) termina revelándose como una pequeña joya escondida que abraza sin pudor la fantasía más ochentosa, con efectos prácticos, presupuesto ajustado y mucho amor por el género.
La película es una mezcla desvergonzada de gore, fantasía ñoña y espada y brujería, con una clara admiración por los clásicos de los 80. Hay momentos ingeniosos, una trama sencilla pero entretenida y diseños visuales interesantes que, sin buscar realismo, priorizan la identidad y el encanto.
Si hay algo que realmente se destaca es la ambientación: un cruce extraño y fascinante entre fantasía oscura y un mundo postapocalíptico decadente, que le da personalidad propia y la aleja del típico escenario medieval genérico.
El tono es deliberadamente irregular: por momentos roza lo tontorrón e incluso infantil, para luego pasar sin aviso a escenas de gore y violencia explícita. Esa combinación de sabores puede resultar chocante, pero es justamente lo que termina definiendo su carácter.
Como datos de color, el guitarrista Slash figura como productor del film y además colaboró en la banda sonora, aportando un plus de identidad rockera. Y para los nostálgicos, vale aclarar que se trata de un remake de Deathstalker: el cazador de la muerte (1983), al que homenajea más desde el espíritu que desde la fidelidad literal.
El torpe teniente Frank Drebin Jr. intenta resolver un asesinato vinculado a un magnate tecnológico. Mientras investiga, su unidad policial corre peligro de ser cerrada. Con la ayuda de una escritora de crímenes, Frank se verá envuelto en situaciones tan absurdas como explosivas. Reboot de la popular franquicia de comedia "Agárralo como puedas" y la serie de televisión "Police Squad!".
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Reseña:
Lo primero que tengo que decir —y sacármelo de encima— es que no creí que Liam Neeson fuera a funcionar tan bien en un papel de comedia. Sin embargo, da completamente en el clavo y termina superando ampliamente mis expectativas.
La película conserva la esencia de la saga original y logra adaptarla a los tiempos modernos sin perder el tipo de humor que hizo grande a la franquicia. Si bien no soy fan del humor sexual y/o escatológico, me reí muchísimo con el slapstick y el absurdo, los chistes visuales, las ocurrencias originales y algunos clásicos reinterpretados con frescura. Todo esto se apoya en un elenco de personajes hilarantes que funcionan a la perfección.
La trama está presente y cumple su función, pero no pretende ser más que lo que es: una excusa para que los gags no paren de funcionar uno detrás de otro.
Sin exagerar, estamos ante una de las mejores comedias de los últimos 15 años (como mínimo). Me reí de principio a fin, y en más de una ocasión, con solo parpadear, sentía que me había perdido algún chiste.
Si la película no te causa gracia, probablemente sea porque nunca conectaste con las originales, no es tu tipo de humor o simplemente buscás algo más solemne. The Naked Gun no tiene intención de agradar a todo el mundo, sino de hacer reír sin pedir disculpas.
Si buscás una película que mezcle acción, humor bobo y sátira sin complejos, esta es la opción ideal para reírse a carcajadas. Y si el género de la comedia cinematográfica quiere volver a ser relevante, debería tomar nota de este regreso: apostar nuevamente por el humor absurdo, lo simple y la parodia sin vergüenza.
El detective Benoit Blanc se une a un joven y honesto sacerdote para investigar un crimen totalmente imposible en la iglesia de un pequeño pueblo con una oscura historia. Tercera entrega de la saga "Puñales por la espalda".
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Lo primero que uno ve y que me hizo engancharme a la saga aparte de los misterios es su estilo visual, cuenta mucho con la ambientación, los escenarios, la simbología y hasta con los encuadres en cada toma.
Aunque el detective Blanc (Daniel Craig) se incorpora bastante más adelante en la trama, su ausencia inicial no se siente en absoluto. La película está repleta de personajes interesantes y bien construidos, y como ocurre tanto en las entregas anteriores como en las novelas de Agatha Christie —de las que claramente toma más de una inspiración—, todos son sospechosos hasta que se demuestre lo contrario. Cada uno tiene un motivo, una ambición o un secreto que lo vuelve potencialmente culpable, y el misterio no se termina de resolver por completo hasta el último momento.
La historia parece, en un primer vistazo, el clásico misterio de asesinato en cuarto cerrado, pero está tan bien narrada y llena de giros inteligentes —sin caer nunca en lo absurdo— que se vuelve constantemente entretenida. La película logra su objetivo principal: atrapar al espectador en un enigma que, por momentos, parece imposible de resolver.
Si hay algo negativo para señalar, es que deja con ganas de otra secuela… lo cual, en el fondo, también puede considerarse un mérito.
